Christopher Young (Compositor)

Christopher Young

Nueva Jersey (EEUU), 1958.

Aunque Christopher Young inicia su andadura profesional como batería de agrupaciones jazzísticas, opta por dar el salto a la composición cinematográfica gracias a la influencia que en él ejercerá la obra de uno de los grandes genios de la composición del Séptimo Arte: Bernard Herrmann.

Una vez lanzada su carrera como realizador de bandas sonoras esta se centrará, casi exclusivamente, en composiciones destinadas a filmes de suspense, y sobre todo, de terror. Aunque, entre susto y susto, aproveche para dejarnos muestra de su versatilidad con grandes composiciones fuera de estos recurrentes géneros.

No es la primera vez que vemos como grandes compositores forjan su carrera en estos particulares géneros cinematográficos, donde, aunque la música juega un papel muy importantel, esta no suele destacar por su belleza sino por su efecto. Esto no quita que muchas de ellas hayan logrado pasar a formar parte de la historia del cine como referentes del género, encontrándonos entre otras con scores imborrables como el "Psicosis" de Herrmann, el "Tiburón" de Williams o el "Poltergeist" y "Alien" de Goldsmith.

Cierto es, que pocos son los compositores que se adentran en estos angustiosos géneros para lograr zafarse posteriormente del sanbenito de compositores de obras de terror, por lo que su carrera acaba desarrollándose casi exclusivamente en estos y dando lugar a que tengan pocas oportunidades de demostrar su valía en otros donde sus melodías dejarían un mejor recuerdo en nuestro subconsciente, y por tanto, lograrían estar mejor valoradas.

Uno de estos casos se da con Christopher Young, quién desarrolla casi toda su carrera en filmes de terror, especialidad en la que logra desenvolverse con bastante soltura en todos sus posibles subgéneros, realizando composiciones que van desde el cascajoso gore como el de la sanguinaria "Pesadilla en Elm Street 2", pasando por el sobrenatural de "El exorcismo de Emily Rose", hasta el  suave suspense, como en el caso de "Copycat" y su thriller psicológico.

Afortunadamente para los no muy amantes del género como este servidor (al menos en lo que a su versión más cascajosa se refiere), Young nos irá dejando otras interesantes composiciones para estilos... no tan sobrecogedores, como podremos ver a continuación.

Así que pasemos a ver algunas de las obras más representativas de este interesante compositor.

Ya en sus inicios nos da muestras de que el terror va a ser su punto fuerte. Teniendo en cuenta quién fue su autor de referencia, no era nada descabellado intuir su atracción por las melodías del género, algo que no tardará en demostrarnos. 
Así en 1981 componía para una de esas películas en la que el desquiciado psicópata de turno tira de todo su arsenal de sádicos útiles para hacérselas pasar canutas a todo aquel incauto que se le ponga a tiro: "La mansión ensangrentada" (Jeffrey Obrow y Stephen Carpenter). Logrando una composición en la que podemos observar la gran influencia del maestro Herrmann.

En 1985 sustituirá a Charles Bernstein para dar melodía a una de las sagas gores más populares de la historia del cine, la iniciada por Wes Craven en 1984: "Pesadilla en Elm Street". En nuestro caso, para acompañar la segunda entrega de las sangrientas correrías de Freddy Krueger en: "Pesadilla en Elm Street 2: La venganza de Freddy" (Jack Sholder, 1985). 
Con una melodía sinfónica de fuerte componente rítmico, nuestro autor cumple con su objetivo, el de contribuir a dar un mayor efecto a los continuos sobresaltos del film.

Si en 1985 se unía a la popular saga de Freddy Krueger (en la que sería su única colaboración), en 1987 prestaba su talento para otra obra de culto del terror gore: "Hellraiser". Film británico en el que Clive Barker tomaba como referencia su propia novela para escribir el guion y dirigir el film. Película que terminaría convertida en toda una obra de culto para aquellos aficionados al terror más gore y en donde nuestro autor volvía a demostrar cuanto bien le hace al género. 
Así, con una soberbia banda sonora, lograba crear una turbadora y delicada atmósfera con la que potenciaba la cruel humanidad del espíritu maligno. Y que a su vez, se convertía, al igual que el film, en toda una obra de culto para aquellos amantes del género.

Tanto éxito obtenía la cinta, que un año más tarde un nuevo director, Tony Randel, decide darle continuidad a la historia de Baker con: "Hellbound: Hellraiser II", dando pie a una de las sagas más longevas del cine gore (ya cuenta con nueve películas, una serie de TV y varios documentales). Siendo esta la última vez (hasta el momento) en la que Young compondría para la saga - bien es cierto, que sus melodías también acompañarían varios documentales, como los dos realizados en el año 2000 por Christian Levatino y Victor Mendoza sobre el rodaje de los dos primeros filmes, en los que se usarían las melodías  originales que acompañaron aquellos primeros filmes.
Para esta nueva ocasión, Young, insertará algunos cambios, optando por dar una atmósfera gótica a sus melodías y manteniendo sin grandes cambios el resto de la estructura de la banda sonora, logrando con estas modificaciones acrecentar el embrujo obtenido por la primera.

Estaba claro que, tan buenos resultados en el género, traería como consecuencia que pusieran a su disposición nuevas películas de terror. De esta manera llega a sus manos en 1989 otra nueva secuela, "La mosca II". Si Chris Walas tomaba el relevo de Cronenberg, Young lo hacía de Howard Shore. 
Para ella mantendrá el estilo enfático que había logrado en los dos filmes de la saga Hellraiser y retomando ese estilo que nos recuerda a las obras dejadas por dos de los más grandes compositores del séptimo arte en sus acompañamientos para filmes de terror o historias turbulentas: Bernard Herrmann o Miklós Rózsa.

La década de los noventa no iba a presentar muchos cambios y, aunque nuestro autor va realizando incursiones en películas de otros géneros, el grueso de sus composiciones irán encaminadas a aquellos filmes en los que el miedo juega un papel protagonista.
Así vamos viendo como sus obras acompañan películas como "Jennifer 8" (Bruce Robinson, 1992),"Copycat"(Jon Amiel, 1995), "Species" (Roger Donaldson, 1995) o "Leyenda urbana" (Jamie Blanks, 1998), buenas composiciones para el género, donde nuestro autor irá afinando su particular estilo en el que cada vez van tomando más protagonismo los ambientes góticos.
Pero si tuviéramos que destacar alguna composición de la década de los 90, esta es sin lugar a dudas la realizada para el drama carcelario: "Homicidio en primer grado" (Marc Rocco, 1995). Basada en hechos reales, volvemos a la máxima seguridad de Alcatraz para enfrentarnos en tercera persona a las duras condiciones penitenciarias de los EEUU en los años 30. Young por su parte, alejado de los filmes de terror, aprovecha para componer una emotiva banda sonora con un hermoso tema principal.

Poco a poco vemos como Young se va haciendo un hueco cada vez importante en la industria cinematográfica norteamericana, en la que acompaña con desigual fortuna filmes destacados de esta década como "Rounders" (John Dahl, 1998), film donde las magníficas interpretaciones de unos muy jóvenes Matt Damon y Edward Norton serán secundadas por la de consagrados actores como John Malkovich, John Turturro o Martin Landau. "Huracan Carter" (Norman Jewison, 1999), drama biográfico sobre el boxeador Rubin "Huracán" Carter, papel por el que Denzel Washington conseguía el Globo de Oro y el Oso de Plata, más la nominación al Oscar a mejor actor. O "La trampa" (Jon Amiel, 1999), que con un atractivo reparto (Sean Connery y Catherine Zeta-Jones) intentaba tapar sus carencias argumentales. Películas en las que nuestro autor, volvía a cumplir pero no conseguía enamorar.

Afortunadamente, con la entrada en el nuevo milenio, aunque no se producen grandes cambios en cuanto al tipo de filmes para el que compone, sí nos da la oportunidad de escuchar algunas de sus mejores obras. 
Así, con un Cristopher Young que continua muy activo en el género de terror, va desarrollando una obra cada vez más extensa en otros géneros en los que podremos deleitarnos sin tantos sobresaltos de sus magníficas composiciones. Si bien, una vez más, vuelve a ser prolijo en melodías para cintas de suspense o terror, género en el que vuelve a demostrar que su elección no es circunstancial. 
Así en estos primeros años del nuevo milenio lo podremos disfrutar en filmes como "La bendición" (Chuck Russell, 2000) o "Premonición" (Sam Raimi, 2000). Películas que se desarrollan en el tema de lo sobrenatural, pero donde existen grandes diferencias en sus composiciones debido al enfoque dado a ambas películas. La primera, al ser una cinta de terror puro, presenta una banda sonora mucho más característica del género; mientras que la segunda, al tratarse de un film de suspense, mostrará una melodía mucho más delicada y "escuchable". 
Precisamente, será con "Premonición" con la obra con la que nos pone sobre aviso de lo que será capaz de crear un año más tarde cuando el genio sueco, Lasse Hallström, una vez finalizada su relación con la compositora Rachel Porman - con la que tan buenos resultados había obtenido en los filmes: "Las normas de la casa de la sidra" (1999) y "Chocolat" (2000) -, reclame de sus servicios.
Así en 2001 compone para Hallström la banda sonora que, hasta el momento, podríamos considerar como su obra culmen: "Atando cabos". 
Es curioso lo que algunos directores son capaces de conseguir de los compositores con los que trabajan, aunque estos cambien. Caso significativo es el de Ang Lee que ha conseguido el Oscar a mejor banda sonora en tres de sus películas con tres compositores diferentes (aunque alguna de estas elecciones nunca dejarán de sorprenderme): Tan Dun, Gustavo Santaolalla y Mychael Danna. Hallström, aunque (Sorprendentemente) no le ha ido tan bien como a Lee, logra las dos nominaciones a los Oscar de Portman y la de Young al Globo de Oro por esta gran película. 
Lo cierto es, que la obra de Young para este film es soberbia, consiguiendo lo que todo buen director desearía que pasara con una banda sonora, que esta se imbrique en el film y pase a formar parte del mismo como un protagonista más. Lógicamente, esto no hubiera sido posible sin la maestría del director, la magia del entorno y las grandes interpretaciones de sus protagonistas, tanto principales como de reparto, y en especial la del gran Kevin Spacey, quien consigue realizar en este film una de las mejores transformaciones que he visto en la gran pantalla.
Pero si la película es una de esas de las que sales con la grata sensación de haber visto algo estupendo, la banda sonora de Young es de esas que se te marca en el subconsciente para acompañarte el resto de tu vida. Y uno de los grandes culpables es el mágico tema central de aires irlandeses que lleva el nombre del título original del film: "The Shipping News".

En 2007, la ruptura del tandem que tan buenos resultados había dado años atrás entre director, Sam Raimi, y compositor, Danny Elfman, hace que Young acabe componiendo para Raimi la tercera entrega del superhéroe arácnido: "Spider-Man 3". Aunque ambos ya habían trabajado juntos - Young compuso en 2000 "Premonición"-, nuestro compositor se encontrará con un gran problema, que tras las dos anteriores entregas del superheroe a cargo de Elfman, Young se verá muy condicionado a la hora de realizar su trabajo, viéndose obligado a mantener el característico estilo Elfman para no romper la linea musical de la saga, en donde, además, se mantendría el tema principal de este.
Aún así, nuestro autor consigue, dentro de lo poco que le dejan modificar, dar muestra de su talento, creando una banda sonora en la que juega con la transformación que sufre nuestro abnegado y enmascarado héroe cuando surge su lado más oscuro.
Similar resultado podemos observar en el acompañamiento para otro siniestro paladín en este mismo año de 2007: "Ghost Rider" (Mark Steven Johnson). Si bien el film no alcanzaba muy buenos resultados y su autor (Nicolas Cage) acababa siendo nominado al Razzie a peor actor, Young nos vuelve a dejar una banda sonora de alto componente gótico, que nos recuerda en exceso nuevamente a las del gran Danny Elfman. Realizando una  obra en donde la música épica se conjuga con otra de atmósfera mucho más oscura que otorga un aire muy siniestro a nuestro héroe motorizado.

En 2009 nos encontramos a un fantástico Christopher Young mostrándonos su lado más ecléctico. Y es que en este fabuloso año podremos escuchar varias de sus melodías más brillantes y contrapuestas. Por un lado tenemos la hermosa y sensible banda sonora de "La duda de Darwin" (John Amiel). La que posiblemente sea la composición más delicada de nuestro autor. Para este film creará una obra muy distinta a las que nos tiene acostumbrados, más afín a autores de corte romántico como Dario Marianelli o Thomas Newman. Bella composición que contrasta con la que veremos a continuación y que está mucho más en la linea de nuestro autor: "Arrástrame al infierno". Película en la que vuelve a componer para Sam Reimi, y esta vez, en su especialidad, ya que volvemos al terror, aunque en esta ocasión en clave de comedia.
En ella volvemos a disfrutar de la destreza de nuestro compositor en este tipo de filmes, a lo que habrá que sumar su especial habilidad a la hora de crear distintas atmósferas: góticas, románticas y, ahora, cómicas. Brutal trabajo que da como resultado final una espectacular banda sonora que nos atrapa y logra hacernos dar algún que otro respingo sin necesidad de estar viendo el film.
Como no hay dos sin tres, tendremos que irnos al cada vez más representativo espacio de los videojuegos, para poder escuchar otro de los grandes trabajos de este año de 2009: "The saboteur". En este videojuego de acción en tercera persona que se desarrolla en la Francia ocupada de la Segunda Guerra Mundial, nos meteremos en la piel de Sean Devlin, un intrépido irlandés que formó parte de la resistencia francesa durante la ocupación nazi. Young, quien comparte protagonismo con otros autores, realiza el tema homónimo: "The saboteur", creando una agradable melodía jazzística que nos recuerda a aquellas que acompañaron a míticos detectives de series británicas de los ochenta.

La entrada en la segunda década del nuevo milenio nos deja con un compositor muy maduro, solvente y activo que nos seguirá aportando algunas de sus mejores composiciones.
Una de ellas la tenemos en 2011, donde Christopher Young vuelve a componer para una cinta fantástica. Cinta en la que volvemos a contemplar una nueva lucha entre el bien y el mal, en los que en esta ocasión tendremos a vampiros como moradores del lado oscuro. Seres malignos que se las tendrán que ver con un solitario sacerdote guerrero en este engendro de western futurista titulado: "El sicario de Dios" (Scott Stewart). 
En él, nuestro autor vuelve a tirar de recursos trillados y un reconocible estilo zimmeriano, para dejarnos con una efectista banda sonora en la que, aunque no aporta nada nuevo, sí debo reconocer, tiene una gran intensidad.

En 2012 compartirá batuta junto a Bryanton Todd y Joel Douek en la película canadiense: "El hombre de las sombras" (Pascal Laugier). Thriller en el que curiosamente Young nos demuestra su gran talento generando tensión sutil y gradualmente, rehuyendo en esta ocasión de composiciones intensas u estridentes, creando con delicadas melodías un entorno desolador y en otros momentos otros más enfáticos en los que nos vuelve a recordar al gran Herrmann.
Curioso giro el mostrado por el autor en un film como este, en el que demuestra que con la edad está dispuesto a explotar su vena más dramática y romántica sin robar protagonismo al suspense.

Finalizaremos en 2013, año en el que compone para el film belga con reparto internacional encabezado por Robert De Niro y John Travolta: "Caza humana" (Mark Steven Johnson). Thriller en el seremos participes del duelo entre un soldado serbio (Travolta) que planea su venganza sobre un militar retirado (De Niro), al que intenta dar caza entre los bucólicos paisajes de los Montes Apalaches. 
Intensa banda sonora que mantiene un melancólico tono a western. Deliberada melodía con la que el compositor busca recrear esa atmósfera que rememore en estos personajes aquellos villanos y solitarios justicieros del lejano oeste.

Y es todo por el momento, aunque con nuestro compositor en activo y a la espera de nuevos títulos por salir, sólo me queda desear que estos mantengan el buen nivel de sus obras precedentes para poder añadir alguna banda sonora más en años venideros.

Espero que haya sido de vuestro agrado.

Un saludo.

Michael Kamen (Compositor)

Michael Kamen

Nueva York (EEUU), 1948,  Londres (Reino Unido), 2003.

Este neoyorquino no solo es reconocido por sus trabajos para el Séptimo Arte, ya que antes de llegar a este había trabajado como arreglista para prestigiosas bandas musicales, trabajo con el que continuará a lo largo de su carrera, pasando por su estudio grupos y solistas de la talla de Pink Floyd, Queen, Aerosmith, Bon Jovi, David Bowie, Bryan Ferry, Eurythmics, Metallica, Def Leppard, The Cranberries, Bryan Adams, Coldplay, Sting o Lenny Kravitz. Dando como consecuencia que algunos de estos trabajos terminaran acompañando a algún que otro film bastante conocido. 
Entre los más destacados tenemos el realizado junto a la prestigiosa banda de rock británica, Pink Floyd, con los que ya había trabajado para su popular disco "The wall" ("El muro", 1979), para volver a hacerlo en el homónimo proyecto cinematográfico de Alan Parker en 1982.

Algo similar ocurre con Bryan Adams, con quien mantiene una muy buena relación tanto dentro como fuera del celuloide. Relación que daría lugar a canciones tan recordadas en la historia del cine, como la balada "I Do It for You" de la película "Robin hood, príncipe de los ladrones" (Kevin Reynolds, 1991), u otras también muy populares, como la incluida en otra de las versiones cinematográficas realizada sobre la conocida obra del prolífico Alejandro  Dumas, en esta ocasión, la de 1993 dirigida por Stephen Herekde:  "Los tres mosqueteros": "All for love", tema muy popular en el que Adams era acompañado por la no menos conocida  y áspera voz de Rod Stewart. O el también muy popular tema hispano de "Don Juan DeMarco" (Jeremy Leven, 1994): "Have You Ever Really Loved a Woman?".

Pero no menos famoso y brillante fue otro de sus arreglos para otra de las fabulosas bandas británicas: Queen, quienes con el desgarrador tema de amor "Who Wants To Live Forever" acompañaban a una de las más emotivas y desoladoras escenas del cine de los últimos tiempos en la vibrante "Highlander" ("Los inmortales", Russell Mulcahy, 1986).

Curiosamente, por la única que conseguiría un premio importante sería por el tema más olvidado. El  que realizara junto a Eric Clapton para la serie británica "Edge of Darkness" (Troy Kennedy-Martin y Martin Campbell) en 1984. 
Así, con un peculiar estilo Claptoniano, se hacían con el BAFTA a mejor música original para televisión. Aunque, como veremos a continuación, recibiría algún que otro premio y nominación por varias de sus composiciones, por alguna de las ya mencionada y por otras que faltan por llegar.

Si bien sus mayores logros en el cine vinieron de la mano de sus acompañamientos en forma de canciones, como ya hemos podido ver. Kamen, también realizaría multitud de bandas sonoras en las que utilizaría una gran variedad de estilos, como veremos a continuación.

Corría el año 1976 cuando nuestro autor inicia su andadura en la composición audiovisual, y lo hace abriendo el abanico en todo su amplio espectro, ya que ese año musicaliza el corto francés "Rodin mis en vie" de Alfred Brandler, compone la melodía del telefilm "Liza's Pioneer Diary" (Nell Cox) y realiza su primera banda sonora para un largo: "El árabe" (Richard C. Sarafian), mediocre film que utilizaba como base de partida las intrigas del conflicto árabe-israelí para montar su argumento y en donde Sean Connery volvía a realizar un papel al corte del súper agente británico, 007.

Su primer gran éxito no sería en solitario y su presencia casi pasaría desapercibida, ya que la gloría se la llevaría el grupo con el que arregla y co-escribe la banda sonora, Pink Floyd. 
En ese videoclip largo llamado "El muro" (Alan Parker, 1982) es donde Kamen adquiere un mayor protagonismo dentro de la banda británica, tanto es así que en 1983, con el teclista Rick Wright fuera de la banda, sería reemplazado por el propio Kamen para la grabación del álbum "The Final Cut", del que también sería co-productor.

Pero si tenemos que atribuir a algún trabajo la culpa de que Kamen se abriera camino en este difícil mundo de la composición cinematográfica, es el que realiza junto a la primera obra de Cronenberg en los Estados Unidos. No sé si la industria le impondría a este debutante director el compositor a utilizar, pero lo cierto es que Cronenberg realizaría este primer trabajo en USA sin su fiel escudero, Howard Shore, quien una vez superada las reticencias vuelve a colaborar con él en su siguiente película en los EEUU: "La mosca", 1986.
Aun así, Kamen logra realizar un aceptable trabajo para este controvertido director, quien en una de sus películas menos identitaria realiza una entretenida adaptación de la obra homónima de Stephen King: "La zona muerta" (1983).

Dos años más tarde nos lo volvemos a encontrar en otro de los delirios de Terry Gilliam: "Brazil" (1985). sueño estrambótico, o más bien pesadilla distópica, en la que Gilliam da rienda suelta a su febril imaginación para crear este oscuro pero original esperpento orweliano.
Por su parte, Kamen, quien no se complica mucho la existencia, acepta el difícil proyecto de componer para el complejo film de Gilliam. Y siendo fiel al título, adapta el tema sobre el que girará el film: " Aquarela do Brasil" compuesto por el brasileño Ary Barroso en 1939. Tema al que irá aplicando, notablemente, diferentes matices para que se ajusten a las surrealistas escenas del onírico film de Terry Gilliam.

Tras realizar su galardonado trabajo para la mini-serie de 1985 junto a Eric Clapton: "Edge of Darkness", compondrá la que puede ser una de sus mejores obras para el Séptimo Arte: "Los inmortales" (Russell Mulcahy, 1986). Si comentábamos anteriormente como el tema  "Who Wants To Live Forever" de Queen nos acompañaba con su soberbio y desgarrador lamento en la escenas más emotiva del film, Kamen, conseguía realizar una magnífica banda sonora para acompañar a esta épica y conmovedora película sobre los avatares del último inmortal.

Un año más tarde vuelve a componer junto a Eric Clapton uno de los temas que, sin ser brillante, sí tendrá gran relevancia al ir acompañando una prolija y popular saga cinematográfica: "Arma letal" (1987 - 1998, Richard Donner). Para ella crean un sonido jazzistico urbano y setentero que nos retrotrae a aquellas míticas series detectivescas como el que acompañaba al reconocible intro de "Las calles de San Francisco" (1972 - 1977). Para el resto de la secuela, al binomio formado por Kamen-Clapton, se les uniría David Sanborn. Entre los tres escribirán el resto de las melodías de la saga que finalizaría su andadura, salvo que volvamos a tener alguna sorpresa a las que tan acostumbrado nos tiene la industria norteamericana, en 1998.

Al año siguiente, siguiendo con la dinámica comenzada con "Arma letal", compondrá la melodía de otra popular saga de acción "Jungla de cristal" (John McTiernan, 1988). Aunque en esta ocasión compondrá en solitario y su inesperado fallecimiento en 2003 solo permitirá a nuestro compositor firmar las tres primeras composiciones de la saga,  en las que crea unas eficaces pero poco originales composiciones, donde, sobre todo, lo que busca es enfatizar el trepidante argumento del film.

Este mismo año vuelve a componer para un viejo conocido, Terry Gilliam. En la que es la película más alucinante y menos alucinógena del director: "Las aventuras del barón Münchausen" (1988), Gilliams nos deleita con un film que, sin salirse del plano esperpéntico y onírico, huye de los tonos sombríos de su anterior y posteriores obras, dejándonos un cuento colorista y jovial, en el que Kamen se impregna del entusiasmo del realizador hasta crear la banda sonora luminosa y vital con la que nos obsequia.

1989 nos deja otro de los trabajos que lamentablemente no pasarán a estar entre los más destacados de nuestro autor, una lástima, ya que oportunidades como esta no se presentan todos los días. Pero Kamen no sabe aprovechar esta pera en dulce que se le pone ante los labios y nos deja con una de las composiciones más mediocres que han acompañado al agente secreto menos secreto de todos los tiempos: "007: Licencia para matar" (John Glen, 1989). En ella, lo que sí nos demuestra son sus grandes dotes como arreglista, ya que  es eso a lo que se dedica, realizar variaciones sobre la gran obra de Monty Norman y los trabajos posteriores de Barry, para quedarse muy lejos de los posteriores trabajos realizadas por David Arnold para el insigne agente del MI6.

La década de los 90 nos deja con un lúcido Michael Kamen, quien nos brinda con varios de sus mejores scores, por los que logrará con varios de ellos el merecido reconocimiento en forma de galardones y nominaciones a grandes premios a su labor compositiva.
Comenzamos con el primero de ellos, por el que lograría el Grammy a mejor canción junto a Bryan Adams, la ya vista anteriormente "I Do It for You". Melodía con la que también lograban la nominación al Oscar y Globo de Oro, y en la que además, con Kamen en solitario, conseguía la nominación a mejor banda sonora en los Grammys y Globos de Oro. Me refiero a su trabajo en la nueva adaptación de las recurrentes aventuras del arquero del Bosque de Sherwood que realizara para Kevin Reynolds en 1991: "Robin Hood, príncipe de los ladrones". En esta ocasión, Robin (Kevin Costner) irá acompañado por la inusual figura del sarraceno Azeem, curioso papel que interpreta el siempre magistral, Morgan Freeman.
Como ya ocurriera en otras ocasiones - ya lo pudimos apreciar cuando tratamos a todo un clásico como el señor Erich Wolfgang Korngold -, la banda sonora de Robin Hood se convierte en todo un éxito. Y, aunque en esta ocasión no cosecha los mismos resultados que su predecesora de 1938, sí consigue mantener el listón muy alto, logrando un gran número de nominaciones a premios importantes y el Grammy (mejor canción).

Si bien es cierto que Kamen se muestra muy activo en la década de los 90, en la que continua componiendo para los típicos film de acción que le dieron popularidad como las sucesivas secuelas de "Arma letal" y "La jungla de cristal", u otras nuevas como "El último Boy Scout" o "El último gran héroe", en la que podemos ver a un nutrido grupo de duros made in USA (alguno de ellos adoptado) en papeles protagonistas: el norteamericano nacido en Alemania, Bruce Willis, el austriaco Arnold Schwarzenegger o el autóctono Mel Gibson. No es hasta su siguiente trabajo para un film de capa y espada, donde vuelve a fraguar su nuevo éxito, y una vez más lo hará junto al músico Bryan Adams. En esta ocasión, como ya ocurriera con Robin Hood, acompañando a uno de esos títulos tan poco novedosos en el Séptimo Arte como: "Los tres mosqueteros" (Stephen Herekde, 1993).
En esta enésima adaptación de la obra de Dumas, realizará junto a Adams el conocido tema  "All for love".  Y como ya ocurriera en "Robin Hood, el rey de los ladrones", su trabajo como compositor no se limitará a escribir las canciones interpretadas por Bryan Adams, sino que también, compondrá la banda sonora original, para la que vuelve a crear una obra épica de corte histórico, como ya hiciera con "Las aventuras del barón de Münchausen".

En 1994, dando continuidad a la fructífera relación Kamen-Adams, trabajan para la comedia romántica de Jeremy Leven: "Don Juan DeMarco". Banda sonora de la que forma parte el tema "Have You Ever Really Loved a Woman?", por el que vuelven a ser nominados al Oscar a mejor canción, además de al Globo de Oro. Kamen, por su parte también conseguiría la nominación al Globo de Oro a mejor banda sonora original.
El film que cosechó buenos resultados en su momento, al contar con un joven y atractivo Johnny Depp, y un genial tandem de veteranos actores: Marlon Brando y Faye Dunaway; pero que, que al igual que ocurriera con su veterano actor, no envejecería bien. Algo que no ocurrirá con el tema creado por Kamen-Adams que se convirtió en otro tema muy popular, algo que podemos comprobar con cierta facilidad si sintonizamos alguna emisora de nuestro territorio nacional.

Ya acercándonos al final de su carrera, y una  esclerosis múltiple diagnosticada, nos deja con la delicada y sencilla obra para el film británico de Alan Rickman: "El invitado de invierno" (1997). Drama en el que madre e hija en la realidad, Emma Thompson y Phyllida Law, compartirán roles en la ficción. No era la primera vez que había sucedido que ambas compartieran cartel, ya que en anteriores y posteriores ocasiones han trabajado juntas, creando en todas las escenas que interpretan juntas una curiosa y agradable atmósfera.

Antes de finalizar la década de los 90, nos dejará con la última de sus bandas sonoras premiadas. En el que fuera el primer largo animado del ahora reputado Brad Bird: "El gigante de hierro" (1999), quien, lejos aún de la factoría Pixar, realiza para la Warner este fantástico relato de amistad entre un niño y un robot extraterrestre, en el que Kamen compone un interesante acompañamiento sinfónico por el que obtendría el Annie a mejor banda sonora original para una cinta de animación.

La entrada en el nuevo milenio, en lo que serían sus últimos años como compositor, nos dejaría grandes trabajos para filmes o series muy reconocidas. 
Así, a la que fue el primero de los filmes de la saga de los mutantes del profesor Xavier: "X-Men" (Bryan Singer, 2000). Realiza una obra que se aleja de los patrones épicos, para ahondar en un plano más oscuro, aquel en el que se desenvuelven unos temidos mutantes, incluso, cuando estos presentan buenas intenciones hacia la raza humana.

Pero si tenemos que considerar alguna de sus últimas obras como su mejor trabajo antes de su adiós, este es sin lugar a dudas la banda sonora que compuso para la serie "Band of brothers" ("Hermanos de sangre", 2001). Serie de la HBO coproducida por Steven Spielberg y Tom Hanks, en la que el actor también formaría parte del plantel de guionistas y en la que una vez más se nos vuelve a ensalzar la heroicidad de los soldados norteamericanos y las penurias por las que pasaron aquellos soldados que lucharon en el frente europeo de la Segunda Guerra Mundial.
En ella, se mantiene una estética muy similar a la de aquella análoga obra de Spielberg de 1998: "Salvar al soldado Ryan". Solo que en esta ocasión podremos disfrutar con más detalle del avance y las penurias de la Easy Company, batallón norteamericano del 506º regimiento de paracaidistas.
Michael Kamen realizaría para ella el bello tema de inicio y crearía la melodía de los dos primeros capítulos, de los diez compondrían la serie.

En 2003 moría de un ataque al corazón, dejando inconclusa una de sus últimas obras brillantes, la que acompañaría a la cinta de animación alemana "En busca de la piedra mágica" (Lenard Fritz Krawinkel y Holger Tappe, 2004). Banda sonora que tendría que ser acabada por Ilan Eshkeri y Andrew Raiher y en la que Kamen nos dejaba una melodía que nos recordaba aquella que acompañó a los hombres de la Easy Company en su incursión europea en "Band of brothers".

Un saludo.

Georges Delerue (Compositor)

Georges Delerue

Roubaix  (Francia), 1925 - Los Ángeles (Estados Unidos), 1992.

Hoy veremos a uno de los grandes maestros de la composición cinematográfica de nuestro vecino país y del resto del planeta. Autor vinculado en sus inicios a la "Nouvelle Vague" francesa, prestigiosa corriente cinematográfica en la que colaboraría con varios de los directores más representativos. Sus melodías serían utilizadas por realizadores de la talla de: François Truffaut, Claude Chabrol, Jean-Luc Godard o Louis Malle. Así como por otros directores franceses como Philippe de Broca, con el que mantuvo una muy buena relación que daría lugar a 17 colaboraciones, o reputados directores de fuera de sus fronteras como: Bernardo Bertolucci, George Cukor, Mike Nichols u Oliver Stone.

Hablar sobre la obra Delerue no es una tarea nada fácil, al ser este un autor bastante prolijo con algo más de trescientas composiciones para el cine y la televisión, y un gran número de obras de una calidad exquisita para el séptimo arte.

Aunque fuera un autor bastante versátil, su carrera destacaría, fundamentalmente, por sus trabajos para dos géneros. En composiciones para películas de corte histórico y, especialmente, en sus trabajos para cintas románticas, bien juntas o por separado. En ambos géneros Delerue demostraría un talento especial.

Este fantástico compositor francés nace y se desarrolla en el bello arte de la creación de bandas sonoras en su tierra natal para, más tarde, dar el salto a a la poderosa factoría cinematográfica norteamericana, donde la potente industria también sabría dar el lugar adecuado a las delicadas composiciones de nuestro autor. Esto no significa que renunciara a trabajar en las diferentes producciones que se irían realizando en su tierra natal, donde mantiene una muy buena relación con viejos conocidos y nuevos realizadores del panorama cinematográfico galo.

Una vez hecha esta pequeña introducción, pasaremos a ver algunas de las bandas sonoras más representativas dejadas por Delerue a lo largo de su dilatada carrera.

Aunque no lo tuvo nada fácil en sus inicios, con una juventud bastante complicada, en la que se vio obligado a abandonar los estudios a la corta edad de 14 años para ponerse a trabajar y mantener a su familia, consigue terminar sus estudios de música. Y una vez que su delicada espalda le incapacita para continuar en la fábrica en la que trabajaba, logra centrarse en sacar adelante su carrera como músico y compositor.

No es hasta principios de la década de los 50 cuando nuestro autor recala en la industria cinematográfica francesa, lo avalaban sus trabajos realizados en la década precedente en música incidental para obras de teatro. Así, Delerue comienza a escribir bandas sonoras para "Le mystère du quai de Conti" (Henri Lacoste y Henri Monniero) en 1950 o "Ingénieurs de la mer" (Jean Reynaud) en  1951. Trabajando también desde estos primeros momentos para la pantalla pequeña, en la que realiza los acompañamientos melódicos de telefilmes como "Princes du sang" (Stellio Lorenzi) en 1952.

Pero no es hasta finales de la década de los 50 cuando Delerue se une a la recién nacida corriente cinematográfica francesa de la "Nouvelle Vague" y logra el merecido reconocimiento internacional. La primera de ellas viene de la mano Alain Resnais, quien cuenta con él y el italiano Giovanni Fusco para la realización de la banda sonora del dramático romance "Hiroshima mon amour", film que obtendría una muy buena acogida en el célebre festival de Cannes de ese mismo año.

Un año más tarde es el mismísimo François Truffaut, entonces un novel director que un año antes había logrado un gran éxito nacional e internacional con su primer largo: "Los 400 golpes" (1959), quien tras una serie de vicisitudes a la hora de encontrar un compositor que realizara la banda sonora de su siguiente film, lo hará llamar para que escriba la melodía del thriller: "Tirad sobre el pianista" (1960). Obra para la que Delerue compone una agradable y animosa obra jazzistica de la que Truffaut parece quedar bastante satisfecho, ya que a partir de este momento se establece una muy buena relación compositor-director, en la que el realizador reclamará del buen hacer de nuestro autor para varias de sus posteriores producciones.

Este mismo año en el que se iniciaría su relación con Truffaut, también lo hace con otro director con el que mantendrá un duradero y gratificante vínculo, el ya mencionado anteriormente, Philippe De Broca. Director con el que mantendrá una relación duradera y continuada que se extendería a lo largo de 28 años y daría lugar a 17 filmes y sus respectivos acompañamientos musicales.

Así, la primera colaboración con el realizador la tenemos en la comedia romántica: "Los juegos del amor" (1960). En la que Delerue compone una jovial melodía de aires afrancesados.

Este mismo año vuelve a repetir con De Broca y su "Le farceur" (1960). El director no solo repetía con el compositor sino que también lo hacía con el actor protagonista: Jean-Pierre Cassel. Delerue no realiza en ella grandes variaciones, manteniendo el mismo tono vivaz para esta nueva composición. Algo más que lógico, ya que nuevamente volvemos a estar frente a una típica comedia romántica francesa, en la que si hay algo que resulte curioso es la inclusión de un conocido pasodoble taurino muy popular en nuestra tierra.

Uno de los primeros trabajos realmente destacables vendrá de la mano de un nuevo film de Truffaut en 1961. Con una "Nouvelle Vague" en todo su esplendor, Truffaut realizará una fantástica oda a la amistad en el film: "Jules y Jim". Delerue crea para ella una sugerente obra donde combina melodías que van desde los alegres tonos circenses rotianos a otros de corte más dramáticos, pero en la que destacan aquellos temas románticos que tanto abundan y destacan en la carrera de nuestro autor.

Si hemos visto que nuestro compositor sobresale con sus creaciones románticas, otro de los estilos en los que también despunta son aquellos de corte histórico. Así, en 1962 compone para su ya recurrente de Broca. Director que le encarga la banda sonora de su film de aventuras espadachinescas: "Cartouche". Film con un reparto encabezado por el temperamental actor francés Jean-Paul Belmondo, quien etará acompañado por la sobria belleza de la italiana Claudia Cardinale. Delerue realiza una composición muy del momento, con tonos que nos recuerdan a aquellas composiciones realizadas para las producciones de los estudios norteamericanos por Rózsa, Korngold...

Y en 1963 llega la que, si no es la mejor banda sonora de Delerue, sí contiene uno de los temas más bellos escritos por él: "Camille". Tema que forma parte de la banda sonora de "El desprecio", otro de los filmes realizado por uno de los directores más representativos de la nueva ola francesa, Jean-Luc Godard. 

Delerue nos deja con una sobrecogedora y brillante melodía de una belleza exquisita que al igual que nos seduce, nos entristece. Difícil contraste con el que nuestro autor logra ahondar sutilmente en un sentimiento tan complejo como el de los celos.

La década de los 60 será una de las más productivas de nuestro compositor. En ella vemos cómo se va afianzando su estilo compositivo y nos va dejando algunos de sus mejores trabajos.

Pero no todas ellas serían mencionables de no haber ido acompañando algunos de los filmes más populares de la filmografía francesa de la década de los 60, y no porque no presenten una factura encomiable, sino porque simplemente se limitó a cumplir con su objetivo en el film. Así lo podremos verlo en créditos de películas de Truffaut como: "La piel suave" (1964), en las cómicas aventuras de su inseparable Philippe De Broca "Las tribulaciones de un chino en china" (1965) o las de Louis Malle "¡Viva María!" (1965). película en donde los dos iconos sexuales de nuestro país vecino: Brigitte Bardot y Jeanne Moreau, nos encandilaban con sus encantos.

Con un Delerue cada vez más apreciado en el extranjero, vemos cómo va realizando algunas incursiones en filmes de otras naciones como Reino Unido e incluso España, donde lo tendremos componiendo en el film de Juan Antonio Bardem, "Los pianos mecánicos". Coproducción de 1965 entre España, Francia, Italia y la República Federal Alemana que contó con un reparto internacional, entre los que destacaban Melina Mercouri y  James Mason.

Además, nos dejará con otras obras que sí merecen la pena escuchar, entre ellas tenemos el drama francés dirigido en 1965 por el británico John Guillermin: "Rapture". Con una banda sonora que nos recuerda a aquellos tonos empleados en el film de Jean-Luc Godard: "El desprecio", Delerue va afirmando su peculiar estilo romántico con los que acompañará a esas difíciles relaciones amorosas que veremos en posteriores trabajos.

Nuevamente, con tonos que nos recuerdan a aquellas magistrales composiciones creadas por el gran Miklós Rózsa, nuestro autor aporta algunas variaciones contemporáneas que nos recuerdan, en gran medida, a las que posteriormente llevaría al súmmum el greco-americano Poledouris. Así, un clásico y a la vez innovador Delerue creará una intensa y épica banda sonora para la miniserie televisiva británica: "Thibaud the Crusader" (Henri Colpi y Joseph Drimal, 1967).

Del mismo año tenemos la delicada, vital y mágica melodía que, una vez incorporada al film, se transformaba, no sin cierta ironía, en el desasosegante acompañamiento con el que Delerue seguía los pasos del siniestro secreto de los hermanos Hook: "A las nueve cada noche" (Jack Clayton,1967). Film británico encabezado por el actor Dirk Bogarde, en el que el peso interpretativo recaía en el elenco de siete jóvenes actores que daban vida a la escalofriante existencia de los hermanos Hook.

Y para finalizar lo que fue esta intensa década de los 60, la banda sonora con la que obtiene su primera nominación al Oscar y al Globo de Oro: "Ana de los mil días" (Charles Jarrott, 1969). Película británica, que narra la vida de Ana Bolena desde su romance con el rey Enrique VIII, hasta su ejecución no mucho más tarde. Nuestro autor, demostrando sus cualidades para desenvolverse a lo largo de la historia de la música, creará para ella una emotiva partitura de corte medieval.

La década de los 70 no iba a ser menos productiva y nuevamente nuestro compositor no tardará en dar jugosos frutos. Así en 1971 vuelve a acompañar a un nuevo filme de Truffaut: "Las dos inglesas y el amor". Ya habíamos visto anteriormente como Delerue demuestra una especial habilidad a la hora de componer obras de corte romántico para cintas de época. Pues en esta ocasión no hace ninguna concepción y realiza una esplendorosa obra con reminiscencias de aquellas grandes obras románticas del barroco inglés.

Dos años más tarde nos deja otro de los temas que estarán entre los más exitosos de su carrera: "Le grand choral". Incluida en el film "La noche americana" (1973) de Truffaut. 
En un film en el que el director daba poca relevancia al acompañamiento musical, haciéndole corresponder una muy pequeña parte del metraje. Delerue no parece darle importancia, y como pasa con los buenos perfumes, con su maestría logra impregnarlo todo, creando una de esas inusuales composiciones que otorgan verdadera esencia al film, con este soberbio tema que lograba convertirse en una de sus obras más hermosas, recordadas y utilizada. 

Una vez más, nuestro compositor optaba por una melodía de corte clásico y aires británicos para acompañar a esta película de cine dentro del cine. Film en el que el director vuelve a contar con su actor talismán, su alter ego, Jean-Pierre Léaud y por la que obtiene el Oscar y BAFTA a mejor película extranjera, además de otras tres nominaciones al Oscar y otras dos al Globo de Oro.

Este mismo año, con un compositor que parece encontrarse en racha y abriéndose al mercado norteamericano, nos vuelve a dejar otra gran composición. En esta ocasión, en un film de un director que pocos años atrás había logrado un gran éxito de pantalla con uno de esos filmes que pasarían a la posteridad: "El graduado" (1967).

Esta vez Mike Nichols no estaría tan acertado, realizando una mediocre cinta de acción, terrorismo y espionaje, donde lo poco destacable en ella era la banda sonora de Delerue. Nuestro compositor, fiel a su estilo y un poco ajeno al guion del film, nos deja con una notable melodía que bien podría haber ido acompañando una película de época y no a este fracasado sucedáneo de ciencia ficción: "El día del delfín". Afortunadamente, la academia de  Hollywood supo apreciar toda la belleza de la composición y Delerue volvía a optar nuevamente al Oscar.

Aunque los 70 serían años muy productivos, en los que mantiene sus habituales colaboraciones con directores franceses como de Broca o Truffaut, también empezamos a encontrarnos con un Delerue cada vez más integrado en la industria cinematográfica norteamericana. Es en una de estas producciones made in USA, cuando a finales de los 70 logra obtener el que fue su primer y único Oscar. Este llegó gracias a la banda sonora que acompañaba el film de George Roy Hill: "Un pequeño romance" (1979). 

No es que se trate de una de sus mejores composiciones, pero es cierto que, Delerue, sabía como pocos dar con su música el tono adecuado para uno de esos recurrentes filmes románticos. Y de esta manera lograba alzarse con la preciada estatuilla por delante de consagrados compositores como Henry Mancini, que no competía con una de sus obras más brillantes: "10, la mujer perfecta", de Dave Grusin y su melodramático score para la lacrimógena "Campeón", la tenebrosa composición de Lalo Schifrin para "Terror en Amityville". Y sobre todo, se imponía a la que terminaría siendo una de las melodías más populares del cine de ciencia ficción, la obra creada por el gran Jerry Goldsmith para el salto a la gran pantalla de la popular serie de Sci-Fi, "Star Trek": "Star Treck, la película". Muchos trekkies aún no dan crédito a lo sucedido, pero así son las cosas.

Si las dos anteriores décadas habíamos visto a un Delerue muy activo e inspirado, la década de los 80, puede ser considerada su década culmen, no porque mejore lo ya realizado en las dos anteriores, sino por encontrarnos con un veterano compositor mucho más seguro, igualmente activo y, sobre todo, plenamente integrado en la industria cinematográfica norteamericana, lo que dará lugar a que su obra tenga una mayor alcance mediático.

El tenerse que dividir entre sus trabajos para Europa y EEUU no le conllevará ninguna merma en su calidad compositiva. Así, los comienzos de los años 80 nos deja con obras tan bellas como la que acompaña el nuevo film de Truffaut: "El último metro" (1980). La ecléctica banda sonora del film de Ulu Grosbard: "Confesiones verdaderas" (1981), película en la que pudimos gozar de un fantástico duelo interpretativo a cargo de dos grandes actores de la factoría americana, Robert de Niro y Robert Duvall. O la magnífica banda sonora que acompañaría el que fuera el último film de uno de los grandes directores norteamericanos de todos los tiempos, George Cukor: "Ricas y famosas" (1981), posiblemente, una de las mejores composiciones realizadas para la industria norteamericana.

Especial atención tendremos que poner en el segundo lustro de la década de los 80, ya que a él pertenecen varias de las melodías más conocidas de nuestro autor, la pena de ello es que no sea precisamente por ser mejores que las anteriormente tratadas, sino por ir acompañando un cine mucho más comercial.

Comenzamos en 1985, y lo hacemos con la espléndida banda sonora realizada para un controvertido film que presentaría un más que interesante lance interpretativo a cargo de dos grandes y veteranas actrices: Jane Fonda y Anne Bancroft: "Agnes de Dios" (Norman Jewison, 1985).

Y en 1986, Delerue, caía en las garras de un reivindicativo Oliver Stone, a quien deja muy satisfecho en su primera colaboración con la banda sonora del film: "Salvador" (1986). Así, repetía en la segunda película que filmaba ese mismo año: "Platoon". Donde, desafortunadamente para nuestro compositor, lo que se recuerda del film es el magnífico: "Adagio For Strings", compuesto por Samuel Barber.

En 1988 escribe el que fue su último trabajo para su fiel Philippe de Broca: "Los Chouans". En este nuevo film de época que se desarrolla en plena revolución francesa, Delerue nos vuelve a dejar con una poderosa obra de corte barroco, en la que combina intensos temas épicos con otros más fieles a sus característicos temas románticos. Muy buena despedida para un director que lo echaría muy en falta tras su ausencia.

Igualmente interesantes serían otras melodías que acompañarían algunos filmes de finales de la década de los 80, como la de la película británica: "Aquel inolvidable verano" (Piers Haggard, 1988). Nueva cinta romántica en la que Delerue vuelve a desplegar todo su buen hacer para crear una agradable atmósfera en torno a nuestra enamoradiza pareja protagonista.

En 1989, coincidiendo con el bicentenario de la revolución francesa, se estrenaba: "Historia de una revolución". Película de dos capítulos: "Los años luminosos" (Roberto Enrico) y "Los años terribles" (Richard T. Heffron). En las que, aunque ambas se desarrollen en el mismo acontecimiento histórico, su temática era bastante opuesta, ya que, mientras la primera se centraba en la épica histórica de la revolución que cambió Francia y condicionó al resto de Europa. La segunda trataba, sobre todo, de sus aspectos más oscuros y sangrientos.

Delerue, conocedor de tales hechos, creará unas partituras que, aunque mantienen una misma línea melódica, servirán para dar brillantez a la primera y oscuridad a la segunda.

El final de la década también nos dejará con otra de sus bandas sonoras más populares. Una vez más en tierras norteamericanas compone la melodía de uno de esos filmes con gran tirón comercial, que en este caso, lo lograba gracias al plantel femenino que desplegaba en pantalla: Sally Field, Julia Roberts, Daryl Hannah, Dolly Parton y Shirley MacLaine. Me refiero a: "Magnolias de acero" (Herbert Ross, 1989).

No es que Delerue haga para ella nada que no hubiera hecho antes, pero, una vez más, nos volvía a demostrar como podía insuflar tal cantidad de ánimo con sus melodías.

En esta ocasión, al desarrollarse la trama en una pequeña ciudad del sur de los Estados Unidos, nuestro autor opta por ambientar con melodías interpretadas por una armónica solista y el resto del peso volverlo a hacer recaer en su más que característico estilo romántico que, una vez más, vuelve a brillar con una fuerza desbordante.

Así entramos en la última década en la que nuestro autor dejaría su huella, los 90.

Para este servidor y su modesta afición a la astronomía, que Delerue le brindara en uno de sus últimos trabajos con la hermosa melodía que acompañaría al documental "Tours du Monde, Tours du Ciel" (Robert Pansard-Besson, 1991), es más que de agradecer. Documental sobre la historia de la astronomía, para el que nuestro autor compuso un bello score con el que acompañaba este breve relato sobre el desarrollo de esta interesante ciencia en la historia del ser humano.

El año de su inesperado fallecimiento, nos dejaría con un buen puñado de interesantes composiciones. De entre ellas, destacaría la sorprendente melodía del film bélico "Diên Biên Phú" (Pierre Schoendoerffer, 1992). Film bélico por el que obtendría su última nominación al Cesar de la academia francesa a mejor banda sonora.

Poco más tarde, un debilitado corazón nos dejaría sin este genial compositor a la no muy tardía edad de los 67 años. Siendo su último trabajo para el film norteamericano "En busca del amor" (Bruce Beresford, 1992).

Y es todo por hoy, espero que haya sido de vuestro agrado.

Un saludo.

Dedicado a mi padre y a su aprecio por la "nouvelle vague".

Dario Marianelli (Compositor)

Dario Marianelli

Pisa (Italia), 1963.

Este compositor italiano originario de la famosa ciudad de la torre inclinada, posee un currículum vitae demoledor, con estudios en composición y piano en Florencia y Londres, un postgrado en la célebre Guildhall School of Music and Drama londinense, varias becas para recibir clases con prestigiosos compositores de música incidental y el título de composición para cine y televisión en la National Film and Television School británica. Era más que lógico esperar que, con este historial, nuestro autor acabara desembarcando en la composición cinematográfica. Relación que se inicia de manera tardía, ya superada la treintena, pero algo normal, si tenemos en cuenta, como hemos podido comprobar, que nuestro autor no ha escatimado tiempo y esfuerzos en su formación.

Es cierto que, aunque originariamente Marianelli sea de procedencia transalpina, su carrera se ha desarrollado en tierras anglosajonas, fundamentalmente en las islas de avalon, ya que las islas británicas lo acogieron en su último periodo como estudiante y  es allí donde finalmente se forma como compositor cinematográfico.

Y es acompañando un film británico donde escucharemos su primera banda sonora, la oíamos en 1994 en el cortometraje de un también debutante Jonathan Newman: "Models Required". Su debut cinematográfico llegaba ese mismo año con la composición para la cinta irlandesa "Ailsa", film dirigido por otro debutante: Paddy Breathnach.

Aunque la década de los 90 finalizará con trabajos realizados fundamentalmente para la televisión, algunos cortometrajes y tan solo contadas composiciones para largometrajes de poca trascendencia, la siguiente década supondrá un punto de inflexión en el reconocimiento del trabajo de Marianelli, que se hará más patente en el segundo lustro.

Así, si los primeros años de este nuevo milenio suponen un periodo de desarrollo y asentamiento en el mundo del cine y la televisión, en el que irá realizando trabajos para nuevos y viejos conocidos y donde lograba componer algún que otro trabajo mencionable como la cinta británica "El guerrero" (2001). Película que lo ponía en contacto con el novel Asif Kapadia, quien con su primer trabajo lograba hacerse con los BAFTA a mejor film y debutante, y donde, el director de origen indio realizaba una muy estética película sobre un héroe de la tierra de sus ancestros.

Por su parte, Marianelli, conseguía realizar una sobria y hermosa banda sonora en la que recurría a las melodías del folklore indio para ambientar el film.

Ya en 2003 nos dejaba intuir lo que daría de sí nuestro compositor cuando se le reclamara componer una obra de corte romántico, género para el que posee una especial talento, algo que no tardaremos mucho tiempo en comprobar. Así para el film de Tim Fywell: "El castillo soñado", Marianelli dejaba claro esta gran habilidad para generar una atmósfera adecuada en aquellos filmes de corte romántico-costumbristas.

De esta manera llegamos a 2005, año en el que el compositor despegará definitivamente. En un año en el que Marianelli tuvo que lidiar con una gran cantidad de proyectos, logra demostrar que no está aquí de paso y nos dejaba con un más que agradable sabor de boca.

Comenzaremos con su salto al otro lado del Atlántico, donde acompañará brillantemente a un film que no lo fue tanto: "El secreto de los hermanos Grimm". 
En la que puede ser la obra, o al menos el intento de obra, más comercial del ex Monty Python, Terry Gilliam. El director nos somete a una aventura inverosímil con los hermanos cuentacuentos como protagonistas. Afortunadamente, contamos con la belleza de la transalpina Monica Bellucci que, aun de reina bruja, nos cautivaba con todos sus encantos.

Siguiendo en tierras americanas, otro de los trabajos destacados de este año es la popular cinta sobre el enmascarado y subversivo héroe "V". Film homónimo realizado por James McTeigue sobre el cómic escrito por Alan Moore e ilustrado por David Lloyd: "V de vendetta", e icono de todo buen anonymous que se precie.

Y excelente trabajo de Marianelli, quien huyendo de la tan manida épica efectista zimmeriana, acompaña al héroe antisistema con un delicado trabajo de corte épico-romántico.

Y para finalizar el repaso de este intenso año: "Orgullo y prejuicio". 
Lograda adaptación de la obra homónima de Jane Austen con la que inicia una interesante y fructífera relación con el director Joe Wright, realizador con el que logrará escribir las bandas sonoras más laureadas de su carrera, hasta el momento.
Así, en el que es su primer trabajo juntos, Marinelli, logra demostrar lo que ya dejo entrever en "El castillo soñado", que nuestro compositor sería un autor muy a tener en cuenta cuando se requirieran ambientar esos turbios romances imposibles de época victoriana. Y si Wright lograba sacar un bello cuadro costumbrista de la obra de Austen, Marianelli con su música... lo bordaba.
Gracias a ello, nuestro autor entraba por primera vez en la ruleta a varios de los grandes premios de la música de cine como el Oscar, el EFA o el World Soundtrack Award, consiguiendo la nominación a mejor banda sonora original en todos ellos.

Tras este año nada volvería a ser igual y, aunque Marianelli se monta en un tiovivo compositivo lleno de claroscuros, logra ir dejándonos alguna que otra muestra de su gran talento por el camino. Hecho que se hace más patente cuando va acompañando las obras de Wright, y sobre todo, si ellas se realiza en torno a un romance costumbrista.
De esta manera llegamos al año de 2007, año en el que crea su obra maestra: "Expiación, más allá de la pasión" ("Atonement"). De nuevo en un film de Wright, quien esta vez nos adentra en un dramático romance con la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo y donde, una vez más, tanto la musa del director (Keira Knightley) como el resto del reparto saben estar más que a la altura de las circunstancias.
Si el film de Wright nos encandilaba con su estética, la música de Marianelli no se quedaba atrás, acompañándonos en esta novela visual con el continuo teclear de una máquina de escribir que entraba a formar parte de la banda sonora como un instrumento más. Ingenio mecánico con el que Marianelli nos iría desgranando la tensión narrativa contenida en la prosa de  Ian McEwan.
Gran película que lograba entrar entre las 10 mejores del año de la National Board of Review, conseguía 7 nominaciones al Oscar y Globo de Oro y 14 al BAFTA; pero donde el triunfador indiscutible era Marianelli, que conseguía alzarse con el Oscar y el Globo de Oro a mejor banda sonora.

Su siguiente gran trabajo llegará de la mano de un producto nacional: "Agora" (2009). Si bien Alejandro Amenábar se había encargado del apartado musical en sus anteriores proyectos, en esta ocasión le cede el honor a Marianelli para él centrarse en las labores de dirección de este magno proyecto. Y no erra en la elección, aunque nos encontremos con una pega, ya que si bien Marianelli lograba realizar un trabajo magnífico, era insuficiente para la trama del film de Amenábar, quien plasmaba brillantemente su egregio proyecto, con una muy buena contextualización histórica y un mensaje demoledor, pero pecaba de un exceso de cientificismo y la dejaba plana en lo emocional. Y ante este desequilibrio... poco podía hacer nuestro compositor. 

Este mismo año vuelve a componer una nueva banda sonora para Joe Wright: "El solista". Score en el que comparte protagonismo con las melodías de grandes genios de la música clásica como Beethoven o Bach y en la que Marianelli nos deja una muestra de su talento a la hora de realizar piezas clásicas.

En 2011 nos vuelve a sorprender con el acompañamiento de la que hasta ahora es la última adaptación cinematográfica de la obra de Charlotte Brontë: "Jane Eyre" (Cary Fukunaga, 2011). Ya nos había demostrado anteriormente su talento para dotar de alma las cintas de época de corte romántico, y en esta nueva ocasión no nos vuelve a defraudar, creando una delicada composición con la que dosifica el drama, el romance y el misterio de la obra de Brontë muy elegantemente.

Este mismo año de 2011 veremos como se fragua otro de los proyectos de nuestro compositor "La pesca del salmón en Yemen". En esta ocasión lo tenemos acompañando al film del director sueco Lasse Hallström, quien ya superada su fructífera relación con la compositora británica Rachel Portman, con la que lograba tan buenos resultados en filmes como "Las normas de la casa de la sidra" (1999) o "Chocolat" (2000), continua en la búsqueda de nuevos compositores con los que trabajar. Dando con Marianelli, quien aunque se estrena con Hallström no se aparta mucho del estilo de Portman. 
Así, con un  Marianelli que sabe dar sobradamente con las exigencias del director,  nuestro autor cumple con nota, ya que pocos hay como él cuando se pide escribir melodías de corte romántico y aires británicos.

Acercándonos al final, tenemos la que ha sido hasta el momento su última gran obra: "Anna Karenina" (2012). Una vez más con un Joe Wright sabiendo sacar lo mejor de Marianelli, quien nos deja una soberbia composición en la que podremos deleitarnos con un tema principal de tono rotiano. Tema que podemos apreciar en la brillante "Overture". Score en el que nuestro autor parece retroceder a su niñez en Italia y recuperar los sonidos circenses del gran compositor cinematográfico italiano, Nino Rota, así como dejarnos otros en los que Marianelli se mantiene más fiel a su estilo romántico, algunos valses u otros con los que encuadra el film empleando melodías étnicas de aires rusos.
En conjunto, una gran banda sonora que le valió a la nominación al Oscar, Globo de Oro, BAFTA, World Soundtrack Awards y Saturns.

2013, en lo que parece un giro en el rumbo de Marianelli, nos dejará con la banda sonora de "Hummingbird" (Steven Knight). Thriller camino entre el drama social y la acción marca Statham, en las que el Bruce Willis británico nos vuelve a demostrar sus dotes de tipo duro.
Marianelli, lógicamente, se adapta a los requisitos de un film en el que sale beneficiada su parte dramática en pos de la acción, ya que el autor logra generar una atmósfera opresiva para los submundos de la delincuencia en los que se mueve nuestro ángel vengador.
Aunque he de reconocer que si en algo destaca la banda sonora es por la hermosa canción con la que se acompaña el film: "Malka Moma". Cantada por el coro búlgaro del Philip Koutev National Folklore Ensemble y compuesta por Georgi Genov y Neli Andreeva, que brilla en el film como una fascinante joya exótica.

Para finalizar, comentar que nuestro autor se mantiene muy activo y tiene pendientes de estreno varias de sus últimas colaboraciones, como las británicas: "Hippie Hippie Shake", último film de la londinense Beeban Kidron y "A Long Way Down" de Pascal Chaumeil. También, la cinta de animación norteamericana "The Boxtrolls" (Graham Annable y Anthony Stacchi).

Espero que haya sido de vuestro agrado.

Un saludo.