Bernard Herrmann (Compositor)

Bernard Herrmann

Nueva York (Estados Unidos), 1911 – 1975.

Hoy trataremos a uno de aquellos genios que se adelantaron a su época para dejarnos con algunas de las composiciones más emblemáticas de la historia del cine.

Autor que será recordado por su vínculo con dos de los más brillantes directores del séptimo arte de todos los tiempos: Orson Welles y Alfred Hichcock.

Aunque su relación con Welles será muy temprana, iniciádose antes de su desembarco en la gran pantalla. Con quien contacta en la Columbia Broadcasting System, cuando el futuro director andaba buscando un compositor para que escribiera algunas melodías para su programa de radio. Así compondrá, entre otras, la música del hecho radiofónico que conmocionaría a la sociedad norteamericana en 1938, me refiero a la dramatización de la obra de H.G. Welles “La guerra de los mundos”. En la que el otro Welles, Orson, haría creer a los incautos radioyentes que su país estaba siendo invadido por fuerzas alienígenas.

Pero no es hasta tres años más tarde, en 1941, cuando el compositor aterrizaría en el cine. Y nuevamente lo vuelve a hacer de la mano de Welles. Quien en esta ocasión como director, realiza una de las obras más aclamadas de la historia del cine: “Ciudadano Kane”.

En ella, si Welles nos relataba magistralmente la vida y ocaso del poderoso e influyente magnate de la prensa Charles Foster Kane, a quien el mismo interpreta. Personaje que, tras una vida plena de  éxitos y riqueza, terminará por acabar sus días completamente sólo y añorante de la único periodo de felicidad en su dilatada existencia... su humilde infancia.

El director, que realiza este retrospectivo relato, a partir de la última palabra pronunciada por Kane antes de morir: “Rosebud”. Arrancaría con una soberbia escena inicial su magistral obra.

Pero si Orson Welles nos brindaba con una fantástica opera prima, nuestro compositor no se quedaba atrás, dejándonos en su estreno cinematográfico la que posiblemente fuera su obra maestra. Melodía que si el tiempo la ha llevado a la consideración de obra maestra, tan sólo le valdría para obtener la nominación al Oscar.

Inexplicablemente, ese mismo año no se alzaba con la preciada estatuilla por esta gran composición, sino que lo hacía por la del film “El hombre que vendió su alma” (William Dieterle) por la que también estaba nominado, y  que, aun siendo una gran obra, no llegaría a tener la transcendencia de la anterior.

El propio autor diría unos cuantos años más tarde, en 1972: «tuve la suerte de empezar mi carrera con una película como Citizen Kane, ¡todo ha ido de mal en peor desde entonces!».

Al año siguiente volvían a trabajar juntos en el film “El cuarto mandamiento” (Orson Welles, 1942). Obra en la que la intrusiva RKO no permitió al director realizar el montaje final, y donde, nuestro compositor realiza una alegre melodía en este melodrama sobre la decadente aristocracia norteamericana de finales del siglo XIX.

Dejando atrás el dúo director-compositor, avanzamos y nos vamos hasta el año de 1951, donde un acertado Herrmann, nos deleita con una melodía futurista que nos trae a la cabeza aquella que crearía años más tarde Danny Elfman para la controvertida “Mars Attacks!”(Tim Burton, 1996), compositor que realiza un claro homenaje a estas primeras bandas sonoras de películas de extraterrestres, y, lógicamente, a nuestro autor de hoy. 
La película en cuestión, es la famosa “Ultimátum a la Tierra” (Robert Wise, 1951). Brillante e innovadora composición por la que sería nominado al Globo de Oro.

Pasamos a 1955, año en el que inicia una fructífera y exitosa relación con el otro gran genio… el del suspense, Don Alfred Hitchcock. Este año compone para el film del director “Pero… ¿Quién mató a Harry?” una sencilla y alegre melodía con la que consigue acentuar el humor negro que emana del film.

Al año siguiente (1956), se afianzaba la relación con la película: “El hombre que sabía demasiado”. Donde, hay que reconocer, que lo que destacó en el film no fue la melodía de Herrmann, sino la canción "Qué será, será", interpretada por la protagonista femenina, Doris Day, y en la que Herrmann no tuvo nada que ver.

Y llegamos a 1958, donde dicha unión da una de las mejores conjunciones entre ambos en el film: “Vértigo”. Obra maestra del director, y genial partitura de tonos opresivos y claustrofóbicos del compositor. Con ellos, Herrmann acompañaba acentuaba la  atormentada existencia del protagonista (James Stewart) y a su esquivo amor, encarnado por una bella y despampanante Kim Novak.

Este mismo año daría otra gran obra, a la vez que inicia una relación con un género que vería algunas de las mejores composiciones de nuestro maestro. Quien, con un particular estilo, acompañaría a algunos de los recurrentes filmes de aventuras  fantásticas del momento. En esta ocasión, acompañando al marinero más famoso del vetusto y misterioso Oriente Medio. Aventurero que tendría que enfrentarse a un ejército de seres mágicos y mitológicos en su periplo por salvar a su amada de las garras del malvado mago que la tenía hechizada: “Simbad y la Princesa” (Nathan Juran, 1958).

Para ello, Herrmann nos seduce con algunos temas clásicos muy enérgicos, y otros, en los que es bastante más arriesgado, sorprendiéndonos con novedosas melodías como la que acompañaría el “duelo con los esqueletos”.

Siguiendo con su trabajo para películas de aventuras fantásticas, nos dejará la melodía de la magnífica adaptación del clásico de Julio Verne “Viaje al centro de la Tierra” (Henry Levin, 1959). En ella, vuelve al empleo de melodías opresivas y claustrofóbicas que combina con otras enfáticas de aires mágicos con las que nos acompañará durante el subterráneo viaje, logrando que su música incida sobre el frágil y exultante estado anímico que experimentan sus protagonistas durante su descenso, una mezcla de dispares sensaciones que van desde la angustia al júbilo a medida que avanzan en su aventura y que Herrmann sabe captar con su música de manera ejemplar.

Sin salir del año de 1959, nos encontramos con otra nueva entrega para Hitchcock. En ella nos vuelve a demostrar cómo es capaz de elevar la tensión a la altura que le exige el genio del suspense. En este caso, para acompañar a un magnífico Gary Grant sumido en el macabro juego al que lo somete el director cuando interpretó al angustiado personaje de “Con la muerte en los talones”.

Otro trabajo representativo, es el realizado para otro nuevo un film de aventuras fantásticas en: “Los viajes de Gulliver” (Jack Sher, 1960).

Pero si realmente hay una composición del autor que nadie que la haya escuchado en el film pueda decir que la ha logrado borrar de su cabeza es la de uno de los clásicos del terror: “Psicosis” (Alfred Hitchcock, 1960). Para que quede claro el protagonismo de la música de nuestro autor en el film, os dejaré una cita de Conrado Xalabarder (MundoBSO):

“Cuando Hitchcock acabó de rodar esta película, se mostró insatisfecho con el resultado y decidió cortar su duración a una hora para emitirla como un especial televisivo, pero el compositor le sugirió que se tomase unas vacaciones mientras él componía la música, a lo que el director accedió. Cuando vio la película con la música, decidió estrenarla y resultó ser su mayor éxito comercial…

Para la mítica secuencia del asesinato en la ducha (que Hitchcock, en principio, quería dejar sin música)… En realidad, el truco de esa secuencia es mucho más sencillo, por ello más genial: Marion Crane recibe nueve puñaladas; Herrmann le propina al espectador un total de cincuenta. En el contraste en la percepción visual y la impresión emocional está la clave de ese caótico momento”.

Como podemos observar, estamos en los años dorados de Herrman, autor que no parece tener muchos problemas de inspiración. 

Así, para demostrarnos una vez más su talento, en 1961 compone otra gran obra de acompañamiento para otro film del género fantástico-aventuras, se trata de otra adaptación de una novela de Verne: “La isla misteriosa” (Cy Endfield).

Y un año más tarde haría lo propio con otro thriller “El cabo del terror” (J. Lee Thompson, 1962), sólo que en esta ocasión no iría de la mano de Hichcock.

En ella, nos vuelve a dejar una partitura de las que pocos como él han sabido realizar para el género y que tantos seguidores le ha granjeado. Tanto es así, que en el remake que Martin Scorsese realizaba en 1991 (en ambos casos de título original “Cape fear”, aquí “El cabo del miedo”), pediría Elmer Bernstein a que no realizara una nueva banda sonora, sino que hiciera una adaptación de la fenomenal composición de Herrmann, melodía que quedaba como tema principal del film. Aunque Bernstein, aparte, compondría su propio tema original.

1963 volvía a ser un buen año, ya que en ella nos dejaba con la estupenda composición de otro de esos film de género fantástico-aventuras “Jasón y los Argonautas” (Don Chaffey). Aquellos, que como uno que les escribe, tengan una cierta edad, se acordarán de la película en cuestión. Film donde los argonautas liderados por Jasón parten en busca del Vellocino de Oro y se las veían en su periplo con algunos de aquellos seres mitológicos que el cine de los 50-60 hizo que cobraban vida: estatuas de gigantes de bronce, cíclopes, ejércitos de esqueletos y algún que otro dios enfadado.

Y llegamos a ese fatídico año de 1966, año en el que la relación Hitchcock-Herrmann se rompe bruscamente y que acaba en un autoexilio del compositor, quien, tras su enfado, decide deambular por Europa durante ocho largos años.

Todo comienza con el rechazo del director de la partitura de Herrmann para la película “Cortina rasgada”, sustituyéndola por la del británico John Addison. Al parecer, aunque la versión más extendida sea un cambio en los gustos musicales de los estudios, los cuales parecen buscar nuevos estilos más comerciales. Todo parece indicar a algo más personal. Un choque de egos entre ambos genios. Si tenemos en cuenta que Herrmann hace algún tiempo que presenta un comportamiento antisocial y solitario, no le tuvo que resultar difícil el poner tierra de por medio y probar suerte en otro lado.

Esto, daría por zanjada la relación director-compositor, dando lugar a un distanciamiento tan radical, que no volverían a mantener ningún tipo de relación durante el resto de sus vidas.

Es así como nuestro compositor recaba en Europa. Y para demostrar a todo aquel que pensara que este giro en su vida iba a suponer su final como compositor de éxito, en esta nueva y nómada faceta laboral que inicia el mismo año de su exilio (1966) nos deja la gran composición para film británico basado en la novela Ray Bradbury: “Fahrenheit 451”.

Estupenda y crítica película social dirigida por el genio francés François Truffaut e interpretado por la sobria y bella Julie Christie.

En una sociedad distópica, en la que el poder se ejerce a través de la televisión, y donde, los libros y el librepensar están prohibidos - de hecho, el título se refiere a los grados Fahrenheit a los que arde el papel- nos encontramos con un bombero (Oskar Werner) con una  función antagónica: quemar libros, quien a su vez se enamora de una joven de sorprendente parecido a su esposa (Julie Christie), pero totalmente opuesta en su forma de comportarse. Ella le descubrirá otra realidad y lo colocará anta la tesitura de elegir entre seguridad o librepensar.

Y una vez más, el señor Herrmann se vuelve a adelantar a su tiempo. Realizando una bella obra que nos recuerda a esos temas góticos que Elfman compondrá años más tarde y con la que nos enmarca esa sociedad opresiva en la que se desenvuelven los personajes.

Tras los ocho años de exilio, Herrmann, vuelve a Estados Unidos en 1973, componiendo varias bandas sonoras en su país, pero, desafortunadamente, no es hasta 1975 cuando vuelve a encontrar el éxito en su tierra de origen. Lamentablemente, ya era demasiado tarde.

Pero no nos adelantemos a los acontecimientos y vayámonos a ese año de 1975. Ya que este año será muy especial. En él, consigue dos nuevas nominaciones al Oscar por sendos filmes: “Fascinación” (Brian De Palma) y “Taxi Driver” (Martin Scorsese).

Si la primera nos recuerda tanto en argumento como en su melodía al film de su ahora odiado, el otrora amigo Hitchcock, "Vértigo". La segunda es un cambio radical en su estilo compositivo. Tanto es así, que se trata de una partitura de corte jazzístico, estilo musical con el que nuestro compositor nunca se había enfrentado, pero que por necesidades del guión se ve obligado a utilizar. Como se trata de un estilo muy alejado al de su trayectoria compositiva, decide pedir ayuda a su amigo  Christopher Palmer, el cual rescata una antigua partitura de Herrmann y le da el enfoque que requería el film. A Herrmann le gusta tanto el arreglo que decide emplearlo como tema principal.

Desafortunadamente, cuando todo apuntaba a un nuevo despegue en la carrera de nuestro autor, este fallece justo unas horas después de haber terminado la grabación de la banda sonora.

Aunque la melodía no conseguiría alzarse con el Oscar, ni tampoco con el Grammy, sí consiguió el BAFTA. Lástima que no pudiera asistir a la entrega para recogerlo en persona.

Y esto ha sido todo, espero que haya sido de vuestro agrado.

Un saludo.